Le réalisateur de Netflix Over the Moon fait ses débuts dans le long métrage après des décennies dans l’industrie
En 2012, l’animateur Glen Keane était agité.
L’agitation n’avait rien à voir avec sa carrière chez Disney; Keane, qui avait été un animateur de personnages sur tout, de The Fox and the Hound à Beauty and the Beast à Tangled, adorait le studio. Mais après 38 ans à Disney, il manquait quelque chose, quelque chose qu’il n’atteignait pas tout à fait, quelque chose de nouveau qu’il ne trouverait pas en restant au même endroit. Et s’il ne savait pas ce que c’était, il se dandinerait dans un bourbier créatif pour le reste de sa carrière.
«Si vous n’étiez pas à Disney, lui demanda sa femme à l’époque, que feriez-vous? Où iriez-vous?”
“Je ne sais pas,” répondit Keane. “Google?”
Effectivement, le premier appel téléphonique qu’il a reçu après sa démission chez Disney provenait du géant de la technologie, lui demandant de se joindre à lui alors que sa stratégie illimitée s’étendait aux arts. Sous le toit de Google, Keane a enfin réussi à réaliser. Le court métrage Duet a fusionné l’animation dessinée à la main avec l’animation par ordinateur de pointe tout en suivant les chemins entrelacés d’un garçon et d’une fille de l’enfance à l’âge adulte.
Même après quatre décennies dans l’entreprise, Duet n’était que le début de l’incursion de Keane dans les possibilités inconnues de son médium. Quelques années plus tard, il a collaboré avec Kobe Bryant sur le Dear Basketball, lauréat d’un Oscar. Et maintenant, à l’âge de 66 ans, il a réalisé son premier long métrage théâtral, Over the Moon, qui arrive sur Netflix le 23 octobre.
La passion de Keane pour l’animation est une chose palpitante et tangible, même dans le vide de Zoom. Avec Over the Moon, des décennies de conception de personnages et de tissage d’histoires se concrétisent – mais Keane sait que son style de personnage et ses méthodes de narration ne sont pas une fin pour tout. En fait, il préfère continuer à apprendre, continuer à regarder vers l’avenir, pour que l’animation puisse évoluer vers quelque chose qui n’a jamais été fait. Il reconnaît les jalons, mais ils sont derrière lui et il ne voit que ce qui l’attend.
«Cette forme d’art peut grandir et devenir bien plus qu’elle ne l’est», dit-il. «Je rêve toujours de savoir si Rodin était vivant aujourd’hui, ou Michel-Ange, et que vous leur avez donné la forme artistique de l’animation, mais ne leur avez rien montré de ce qui avait été fait auparavant. Où le prendraient-ils?
Image: Studios d’animation Walt Disney
Keane est devenu un animateur par erreur. En tant que fils du dessinateur Bil Keane, créateur de The Family Circus, l’art faisait partie de sa vie depuis le tout début. Après le lycée, il avait l’intention de se consacrer aux beaux-arts, mais lorsqu’il a soumis son portfolio à CalArts, il s’est retrouvé entre les mains du programme d’animation. Le médium expansif a fini par être un choix naturel pour un artiste en herbe qui avait toujours été enchanté par les possibilités de divertissement dans l’art.
«Quand j’étais enfant, je dessinais», dit-il. «Je ne ferais pas de dessin pour faire un dessin; Je faisais un dessin pour faire disparaître le papier, afin de pouvoir entrer dans le monde que je dessinais.
Comme beaucoup avant et après lui, CalArts a canalisé Keane directement dans l’industrie de l’animation. Après un passage à Star Trek: la série animée à Filmation, Disney a embauché Keane en 1974 pour travailler en tant qu’animateur de personnages sur The Rescuers. Là, le petit nouveau du quartier a travaillé aux côtés d’Eric Larson, d’Ollie Johnston et des autres légendaires animateurs de Disney connus sous le nom de Nine Old Men. À la fin des années 1970, la vieille garde a commencé à faire la transition, tandis que de jeunes animateurs – y compris le réalisateur Frozen Chris Buck, l’ancien directeur de la création de Pixar John Lasseter et le réalisateur Tim Burton – sont entrés dans le studio, provoquant des conflits. À mi-chemin de la production de The Fox and the Hound, l’animateur Don Bluth a quitté Disney pour créer son propre studio avec un groupe d’autres animateurs, ce qui a laissé une grande partie de la responsabilité sur les mains du jeune équipage, Keane inclus.
En raison de la friction autour de The Fox and the Hound – sans parler de l’instabilité qui a accompagné divers changements de PDG et les troubles de la direction – le prochain film sur le rôle de Disney, The Black Cauldron, a été perçu comme une lueur d’espoir pour l’avenir du studio. Le film fantastique était une chance pour les jeunes animateurs de rompre avec les traditions de l’ancien et d’établir un nouvel héritage dans l’animation, en sauvant peut-être cette branche de la bannière Disney et en étendant l’animation à un public plus âgé en même temps. Mais bien qu’il soit le film d’animation le plus cher réalisé à l’époque, avec un budget annoncé de 44 millions de dollars, le film a fait un bond au box-office, ne rapportant que 21 millions de dollars.
L’échec a incité Disney à déplacer ses priorités vers l’action en direct, la télévision et les attractions des parcs à thème. Le PDG Michael Eisner aurait complètement fermé le département d’animation si le président Roy E. Disney n’était pas intervenu. Pourtant, en 1985, les animateurs ont quitté le studio Disney à Burbank, en Californie, à trois kilomètres à l’est de Glendale, transportant des boîtes de leurs affaires dans un méli-mélo d’entrepôts, de hangars, de remorques et même d’une ancienne usine de cercueils.
«Vous avez vraiment senti que ce serait peut-être la fin de l’animation», raconte Keane.
Le véritable sauveur de Disney Animation a été The Little Mermaid en 1989, qui est devenu un succès critique et commercial, battant le record du box-office précédemment établi par The Land Before Time de Don Bluth et remportant deux Oscars. La Petite Sirène a marqué le retour de Disney à ses racines musicales, et le succès de ce film a inauguré ce que les historiens de l’animation appellent maintenant la Renaissance de Disney. À cette époque de réinvention musicale et d’intérêt renouvelé pour l’animation, Keane a travaillé sur certains des personnages les plus emblématiques de Disney, concevant et donnant vie à Ariel, Aladdin, la Bête et d’autres. De nombreuses scènes clés de la Renaissance Disney – Ariel tend la main vers la lucarne de sa grotte; la Bête se transformant de nouveau en homme; Les cheveux de Pocahontas dans le vent – venaient directement de la main de Keane.
Image: Studios d’animation Walt Disney
Keane a apporté l’art traditionnel aux films de la Renaissance de Disney, mais il n’était pas un puriste de l’animation 2D. Dès ses tout débuts au studio, l’animateur a adopté les nouvelles technologies et l’évolution du métier. Après avoir regardé Tron, l’hybride action / animation de Disney de 1982 avec son collègue animateur John Lasseter, Keane a eu l’idée de ce que les ordinateurs pouvaient faire dans leur médium. Dans l’espoir d’inspirer leurs collègues, les deux ont créé un court métrage de test cette année-là, adaptant Where the Wild Things Are de Maurice Sendak avec un fond rendu en 3D et des personnages dessinés à la main mélangés. Disney n’avait pas le budget nécessaire pour développer le projet et Lasseter a ensuite été licencié pour son insistance à utiliser l’animation par ordinateur.
Contrairement au futur directeur de la création de Pixar, Keane n’a pas complètement basculé vers la CG dans les années qui ont suivi – mais il n’a pas non plus uniquement travaillé au format dessiné à la main. «Je n’ai jamais fui la technologie», explique-t-il. «J’ai toujours pensé que c’était un dessin sculptural. Lorsque j’anime un personnage, je le transforme dans l’espace. Alors Ariel se retourne et je vous montre: “Tu vois, elle est réelle!” “
Bien que le style du test Where the Wild Things Are – qui avait des arrière-plans 3D plus proches de quelque chose comme Toy Story, plutôt que la nature encore rendue en 2D de la scène de la salle de bal La Belle et la Bête – ne s’est jamais manifesté à Disney, le le succès de l’ère de la renaissance du studio a fait avancer la technologie utilisée par l’entreprise. La scène de bal de grande envergure dans La Belle et la Bête ou le surf dans les arbres de Tarzan a utilisé des ordinateurs pour obtenir des angles de caméra plus sophistiqués dans un espace 3D simulé. «Ma carrière a consisté à rapprocher de plus en plus ces deux domaines», dit Keane.
Keane “va-t-il se mélanger?” La mentalité s’est pleinement concrétisée pour Treasure Planet de 2002, qui combinait plus d’éléments 2D et 3D que n’importe quel autre élément animé avant lui. Keane a travaillé en étroite collaboration avec l’animateur CG Eric Daniels sur le personnage hybride de Long John Silver. Conçu comme un pirate intimidant dans le moule de Disney, Silver a été dessiné à la main, mais avait un bras mécanique rendu avec des graphiques informatiques. Pour exécuter la combinaison, Keane a animé Silver côte à côte avec l’animateur de Jim Hawkins, John Ripa. Les deux partageaient même un bureau, distribuant des versions de scènes d’avant en arrière jusqu’à ce qu’ils verrouillent les mouvements.
«Je me trouve toujours en partenariat avec quelqu’un qui est si doué pour quelque chose que je ne suis pas bon», dit Keane. «La technologie exigeait que vous dessiniez dimensionnellement. Si vous voulez mettre quelque chose de géométrique sur un personnage, il devra être dimensionnel. Comme Pinocchio balançant un panier qui bouge maintenant. Comme la façon dont Miyazaki peut dessiner des avions. Vous n’avez pas besoin d’un ordinateur pour dessiner quelque chose de solide et dimensionnel. Il faut avoir un esprit qui voit les choses comme ça. “
Le Destiny de Treasure Planet a étrangement fait écho à celui de The Black Cauldron: bien qu’il soit l’un des longs métrages d’animation les plus chers jamais réalisés, le film a été bombardé. Treasure Planet n’était que l’un des nombreux films d’animation traditionnels de l’époque à être un flop commercial. Ces échecs, associés au succès croissant de Pixar et DreamWorks, ont obligé Disney à revoir sa stratégie d’animation et à passer à une liste de films entièrement en CG.
Le prochain projet de Keane, prévu comme ses débuts en tant que réalisateur, ne s’alignait pas sur cette stratégie. Conçu comme une adaptation traditionnellement animée du conte de fées Raiponce, inspiré des peintures rococo de l’artiste français Jean-Honoré Fragonard, Tangled ne pouvait pas avancer jusqu’à ce que Keane accepte de l’animer avec des infographies 3D. Incertain sur la façon de capturer la chaleur et les styles naturalistes de l’illustration dessinée à la main sur l’ordinateur, Keane a organisé un séminaire pour CG et artistes traditionnels à Disney pour trouver un point à mi-chemin entre les deux styles de dessin animé.
Image: Studios d’animation Walt Disney
Une crise cardiaque en 2008 a forcé Keane à se retirer du rôle de réalisateur. Il est resté producteur exécutif et concepteur de personnages sur Tangled et a joué un rôle important dans la façon dont le film a adapté le mode «princesse» de l’ère de la Renaissance de Disney au CG. Dès le début, il a insisté pour imprégner l’infographie 3D avec l’animation plus naturaliste de la tradition 2D Disney.
«Je veux vraiment communiquer la solidité. C’est ça l’animation par ordinateur pour moi. Cela donne cette chance d’amener le dessin dans une chose dimensionnelle », explique-t-il. «Mais le problème est que c’est comme un vendeur de voitures d’occasion. Cela vous montre quelque chose qui est parfaitement ombré. Mais vraiment, structurellement, si vous le regardez, il a perdu la belle conception du rythme des os dans [the character’s] bras. Il y a une telle beauté dans la nature. Et [a computer] vous donnera un cylindre au lieu d’un rythme de roulement et de torsion. [With] dessin, vous y mettez ça.
Tangled a capturé ce style plus naturaliste avec un meilleur effet que les précédents films Disney CG comme Chicken Little et Meet the Robinsons, mais Keane a vu beaucoup de place pour pousser la nouvelle philosophie plus loin. Paperman de 2012 est devenu son bac à sable. Keane a travaillé en tant que concepteur de personnages pour le court métrage hybride du réalisateur John Kahrs, une histoire d’amour de conte de fées urbaine à connexion manquée qui se déroule sur une ligne de métro et dans un décor urbain.
Avec des cheveux en mouvement, des rafales d’avions en papier et un éclairage changeant, Paperman a réussi à combiner l’expressivité 2D avec la solidité que Keane convoitait. Le court métrage a été une aubaine pour l’équipe créative, remportant l’Oscar du meilleur court métrage d’animation, mais tout comme le projet Where the Wild Things Are, il était tout simplement trop cher d’un modèle à poursuivre – et le plus grand prix d’Hollywood n’était pas suffisant pour balancer Disney.
«C’est une excellente idée qui attend son jour», déclare Keane, la qualifiant de meilleur des deux Worlds. «C’est un chemin coûteux. Aujourd’hui, si nous l’abordions à nouveau, nous trouverions un moyen encore plus rapide et plus économique de le faire. J’adorerais absolument le voir.
PapermanImage: Walt Disney Animation Studios
Juste au sommet de la deuxième renaissance de Disney Animation – et juste avant que le studio ne licencie certains de ses animateurs traditionnels chevronnés – Keane, tout comme certains des personnages de Disney dans lesquels il animait la vie, se demanda s’il y avait quelque chose d’autre au-delà du horizon.
Et ainsi, après une carrière enrichissante, Keane s’est aventuré dans le désert.
S’appuyant sur le travail de Keane dans Tangled, Disney Animation a sorti Frozen en 2013, qui est devenu le premier film d’animation de la société à gagner plus d’un milliard de dollars. Pendant ce temps, Keane s’était installé dans son nouvel emploi en dehors d’Hollywood, travaillant aux côtés des ingénieurs des groupes de technologie avancée et de projets de Motorola sous Google. Le monde de la technologie était un contraste frappant avec les jours de Disney. «Il n’y avait pas de taille-crayon dans toute la Silicon Valley», se souvient Keane. «Nous avons dû les ramener de L.A.!»
Keane a sauté entre un certain nombre de projets expérimentaux par la suite. Après la sortie de Duet, il crée un court métrage mêlé à la chorégraphie de la danseuse de ballet Marion Barbeau pour l’Opéra de Paris. Le travail de Keane a continué à repousser les limites de ce à quoi l’animation traditionnelle dessinée à la main pourrait ressembler une fois mélangée à la technologie; Dear Basketball, par exemple, a impliqué l’animateur en utilisant son iPhone pour prendre des photos de dessins au graphite et les retourner en négatifs, puis prendre une gomme sur les images pour créer des reflets.
Image: Granity Studios / Believe Entertainment Group / Glen Keane Productions
L’itinéraire indépendant de Keane s’est déroulé parallèlement à l’homogénéisation de l’animation hollywoodienne. Alors que Disney s’essayait à nouveau aux fonctionnalités 2D traditionnelles avec The Princess and the Frog de 2009 et Winnie the Pooh de 2011, la sous-performance des films chaleureusement accueillis au box-office a cimenté la décision du studio de passer complètement à l’animation par ordinateur, où DreamWorks avait déjà été. L’animation américaine à cette époque a apporté des améliorations rapides à la technologie – du rebond des boucles de Merida dans Brave aux scènes de vol radicales de How to Train Your Dragon – mais tout a pris le même éclat, au point où les fanatiques d’animation pouvaient intégrer de manière transparente différents films dans les mêmes scènes par curiosité morbide.
Le temps – et un intérêt pour des projets plus importants – a ramené Keane dans les grands studios, mais pas ceux d’il y a 40 ans. Après avoir remporté un Oscar, l’artiste s’est installé chez Netflix, transformant un grand espace de béton vide à Los Angeles en un studio d’animation animé. Il le compare à l’excitation de quitter la maison de ses parents à 18 ans. Chez Netflix, dit-il, les possibilités de créativité sont infinies, car il y a tellement de projets en cours avec tant de créateurs différents à la tête de chacun. .
«Il est vraiment important que vous ayez ce genre de liberté et que vous n’accordiez pas autant de poids à aucun film», explique-t-il.
Au fil de la lune Image: Netflix
Les animateurs de direction de Disney qui ont encadré Keane lui ont donné un aperçu du travail au sein de différentes équipes, donc ce n’était pas un aspect du travail avec lequel il n’était pas familier. Avoir une grande portée non seulement sur les personnages du film, mais aussi sur son message et son ton, a permis à Keane de travailler à la fois en tant qu’artiste et artiste. La dualité de l’art et du divertissement est l’une des principales raisons pour lesquelles Keane aime l’animation. Obtenir pleinement ces deux aspects à la vie dans Over the Moon était une chance pour Keane d’approfondir avec joie l’histoire qu’il ne l’avait jamais été auparavant.
Netflix l’a fait appel à Over the Moon quand il a acquis le projet en coproduction avec Pearl Studio, et à partir du moment où il a lu le scénario, il a été attiré par le personnage en son cœur: Fei Fei, une jeune fille qui construit une fusée. à la lune, déterminé à prouver que la déesse de la lune, Chang’e, est réelle.
Image: Netflix
«Voici cette fille qui est incroyablement intelligente, mais qui a également accroché à ce cœur de conviction que l’impossible est possible. Je viens de découvrir que ce genre de personnage était si merveilleux à donner vie, et je croyais vraiment en elle », dit Keane. Fei Fei est désormais son personnage préféré qu’il n’a jamais animé (à égalité avec Ariel, précise-t-il).
À l’époque de Disney, le mentor de Keane, Ollie Johnston, lui a toujours dit d’animer ce qu’un personnage ressentait plutôt que ce que faisait un personnage. Quand il s’agissait d’un film entier, cela allait d’un personnage à la portée de toute l’histoire et au message du film, un défi qu’il a relevé. Mais le plus grand moment de doute de soi est venu quand il s’est retrouvé coincé.
La perte de l’histoire se produit dans chaque film, dit Keane, alors l’équipe de Netflix a fait ce qu’il avait vu faire auparavant: la société a fait appel à un consultant pour expliquer pourquoi l’intrigue ne fonctionnait pas. C’est une pratique courante dans l’industrie, en particulier dans les grands studios comme Disney et Pixar, où les films à moitié animés peuvent être entièrement réécrits en raison de réactions négatives aux tests. Melissa Cobb, responsable de l’animation Netflix, lui a demandé ce qu’il en pensait. Keane a déclaré qu’il aimait la direction dans laquelle il s’était initialement engagé. Pour son plus grand plaisir, Cobb lui a dit de rester sur sa piste: «ce vote de confiance d’un studio qui compte vraiment sur le réalisateur pour être fidèle à lui-même», dit Keane .
Image: Netflix
Over the Moon emmène sa jeune héroïne Fei Fei dans une aventure spatiale fantastique vers la terre peuplée d’esprit de Lunaria. Réaliser pleinement la lune s’est avéré être un défi créatif épanouissant: Keane a comparé la transition de la Terre à la Lunaria à un Oz moderne, sauf que son équipe n’avait pas le luxe de passer du noir et blanc au technicolor. La décoratrice Celine Desrumaux a eu l’idée que tout sur la lune émettrait sa propre lueur et sa propre lumière. Cette idée a enthousiasmé Keane, qui a décidé de s’inspirer des œuvres du peintre surréaliste Joan Miró – quelque chose qu’il voulait faire depuis qu’il avait rencontré au hasard le petit-fils de l’artiste dans les rues de Paris et tombé amoureux des merveilles sphériques de l’artiste. Mais ce sont les plus petits moments, ceux qui l’ont ramené à l’époque de son animateur de personnages, qui l’ont le plus éveillé.
«Nous visions vraiment à animer le point de découverte, le moment où quelque chose clique [the character’s] yeux. Concevoir leurs yeux, leurs sourcils et leurs expressions sur leurs visages était si essentiel pour communiquer cela », explique Keane. Il note un moment dans le film dans lequel Fei Fei voit son père et son amie Mme Zhong se tendre la main. Ils se touchent et Keane coupe le visage de son héroïne alors qu’elle réalise la profondeur de leur relation. «C’est ma photo préférée du film. Et ce ne sont que les yeux de Fei Fei. “
Keane dit qu’il a probablement fait plus de dessin pour Over the Moon que pour n’importe quel film de Disney («Je pense que j’ai dessiné sur chaque plan»). Il est plus facile de communiquer avec des dessins, dit-il, au lieu de donner des instructions vagues. Que cela signifiait trouver le bon look pour les cheveux de Fei Fei, obtenir le curling et le roulement de la bouche juste, ou découvrir ce que Keane appelle des «poses dorées» – celles qui se sentent sincères – cela signifiait beaucoup de dessins.
Image: Netflix
«Les gens font l’erreur dans l’animation de penser que l’animation consiste en un grand nombre de dessins en mouvement ou d’images en mouvement», explique Keane. “Mais il s’agit vraiment d’une image qui vous émeut. Ce pourrait être juste un. Vous trouvez celui-là et vous le croyez.
En ce qui concerne les éléments narratifs d’Over the Moon, Keane dit qu’il a ressenti une immense pression pour que tout soit parfait pour une histoire «sacrée». La légende de Chang’e est importante pour la culture chinoise et constitue la base du festival de la mi-automne, la deuxième fête chinoise la plus importante après le nouvel an lunaire. Keane a sollicité l’Tests de son équipe d’animation basée à Shanghai afin de rendre l’histoire plus authentique sur le plan culturel, jusque dans les moindres détails. Lorsque Keane a vu pour la première fois une scène dans laquelle Fei Fei accepte un cadeau de sa nouvelle belle-mère potentielle, il savait qu’un personnage américain n’hésiterait pas à montrer son dédain, mais l’équipe lui a dit qu’une fille élevée dans une maison chinoise n’oserait jamais. montrer “tout soupçon de manque de respect.” La première version de la scène, cependant, a basculé trop loin dans l’autre sens, avec Fei Fei s’inclinant profondément, ce qui, selon les animateurs, était une relique de la génération de leurs parents. La motion, ont-ils dit à Keane, serait un signe de tête plus subtil. Ils allaient et venaient, affinant les détails pour mieux refléter la culture chinoise. Keane dit qu’il a écouté avec enthousiasme et qu’il a beaucoup appris.
Même après près de 50 ans dans l’industrie, Keane continue d’apprendre. Il raconte avec enthousiasme diverses personnes avec lesquelles il a travaillé sur Over the Moon et tout ce qu’il a appris d’eux – d’autres créatifs d’autres industries, comme le créateur de mode Guo Pei, qui a conçu les costumes pour le film («Elle ne parlait pas anglais, je ne parlait pas chinois, mais nous avons tous les deux dessiné ») vers la prochaine génération d’animateurs, comme Desrumaux. Ce dernier est quelque chose que Keane appelle le «mentorat inversé», une responsabilité clé pour les anciens de toute industrie.
Certaines des créations de personnages de Myers. Image: Netflix
Alors qu’il se débattait avec la conception des personnages pour Over the Moon («tout ressemblait à un personnage de Disney»), Keane a remarqué une peinture d’Ariel sur Facebook par la créatrice de personnages Brittany Myers. «Cela ressemblait à mon dessin, sauf qu’il était fait avec de la peinture», raconte-t-il. «Mais il y avait autre chose. Il y avait une certaine proportion. Et j’étais comme, Ouais, ça ressemble à la mienne, mais juste en mieux. C’est vraiment cool.” Il a montré le dessin à son producteur, qui lui a suggéré d’embaucher l’artiste. Myers est venu sur le projet et a fait l’art du personnage pour le film. Keane était émerveillé et dit qu’il a tellement appris rien qu’en travaillant avec elle.
«Je pense que les principes de l’animation que nous avons appris doivent être transmis. Mais les formules n’ont pas besoin d’être transmises », explique-t-il. «Vous ne voulez pas continuer à faire des choses qui ressemblent à tout ce qui a été fait dans le passé. Lorsque vous rencontrez quelque chose dans votre cheminement artistique qui vous semble déplacé, comme, d’où est-ce que ça vient? Penchez-vous dedans.
Cela demande du courage, admet-il, mais des endroits comme Netflix – où, pour le moment, les créateurs ne sont pas censés maintenir un héritage, et les dirigeants ne mettent pas tout le poids sur un seul film – permettront aux artistes de se libérer de attentes et embrasser l’inconnu.
Que se passe-t-il lorsque les traditions sortent de la fenêtre? “Je n’ai aucune idée!” Dit Keane, avec la joie joyeuse d’un enfant qui a une page blanche et un seau de crayons de couleur. «Pour moi, il s’agira de [staying] bon, vrai et beau.