Il est trop difficile de choisir nos films préférés, nous l'avons donc réduit à des moments
Le 25-30 mai est la semaine du Studio Ghibli au JeuxServer. Pour célébrer l'arrivée de la bibliothèque de la maison d'animation japonaise sur les services numériques et de streaming, nous étudions l'histoire, l'impact et les principaux thèmes du studio. Suivez-nous via notre page Semaine Ghibli.
Nous avons passé toute la semaine à parler des Worlds animés fantastiques de Studio Ghibli, des jeux qu'ils ont inspirés aux règles qu'ils ont enfreintes. Mais qu'est-ce qui nous distingue le plus du Studio Ghibli? Où sont les moments les plus forts et les plus mémorables?
Avec tous les films désormais sur les plateformes de streaming pour la première fois, nous avons décidé de classer nos scènes préférées absolues de l'ensemble de la série de 35 films de 22 ans du studio.
18. Premier emprunt, The Secret World of Arrietty
Image: Studio Ghibli
Le moment le plus mémorable du Secret World of Arrietty d’Hiromasa Yonebayashi, basé sur les livres de Mary Norton Borrower, n’est ni dynamique ni explosif. C'est une expérience feutrée et longue où la plus grande action est un personnage qui s'arrête. Arrietty est une emprunteuse, une fille de la taille d'une poupée dont la famille toute aussi jeune vit à l'intérieur des murs de la vaste maison de campagne d'une famille humaine. À 13 ans, elle est autorisée à accompagner son père taciturne Pod dans cette maison pour la première fois, lors d'un raid silencieux pour obtenir des fournitures: un seul morceau de sucre et un seul tissu.
Sur le papier, la séquence pourrait jouer comme un film de cambriolage passionnant, avec Arrietty combattant un immense cafard agressif, tyroliant un espace vertical étroit et rappelant une armoire au sol bien en dessous. Mais ces événements se déroulent doucement comme un doux rituel de passage à l'âge adulte. Pod soutient silencieusement sa fille et sourit à son audace, et Arrietty alterne entre audace et nervosité. Et puis il y a le moment où elle émerge pour la première fois dans le vaste espace vide d'une cuisine humaine, après un film largement passé au niveau de la souris, ou dans des espaces proches confortablement aménagés. À ce moment-là, elle est comme une humaine se tenant au bord du Grand Canyon, et Yonebayashi parvient à faire en sorte que les articles de cuisine de tous les jours soient extraterrestres et monstrueux alors qu'elle les prend avec une merveille intimidée. —Tasha Robinson
17. Écolières contre pirates, Porco Rosso
Image: Studio Ghibli
Le réalisateur Hayao Miyazaki donne le ton de sa fable d'époque Porco Rosso dès le début – avant même que le chasseur de primes titulaire arrive sur les lieux pour s'occuper de certains pirates de l'air qui ont kidnappé un groupe d'écolières, le public a appris qu'ils étaient des bouffons. Les victimes de l'enlèvement sont en fait assez enthousiastes à l'idée de sortir avec des pirates, de hurler de joie à leur arrivée et de s'émerveiller devant les crânes peints sur leurs avions. ("Cela pourrait utiliser du sang!") C'est un mélange parfait de personnages, car les pirates kidnappent toute la classe parce que "ce n'est pas agréable de les séparer de leurs amis" et les écolières font des ravages dans leurs avions, en passant par leur nourriture et des armes, et surgissant dans la tourelle à canon. Même lorsque les filles sont sauvées, elles disent joyeusement au revoir aux pirates, qui sourient et leur font à leur tour un signe de retour. C'est juste mignon! —Karen Han
16. Manger de l'ananas pour la première fois, seulement hier
Image: Studio Ghibli
Isao Takahata était un maître de la création d'histoires fascinantes à partir des nuages de la vie quotidienne, et Only Yesterday capture la joie subtile d'une histoire de tranche de vie. L'histoire clignote entre le Taeko adulte, faisant une pause dans la campagne pour réévaluer sa vie, et le jeune Taeko pendant les petits moments importants de son enfance – comme le temps où son père a fait des folies sur un ananas pour la famille. Ils se rassemblent tous pour la coupe de cérémonie et se glissent sous le kotatsu d'hiver pour essayer ensemble cette gâterie exotique. Mais l'ananas n'est pas mûr; c'est dur et désagréable, et l'excitation s'évapore en une soirée calme et déçue, Taeko essayant de se convaincre que c'est tout ce qu'elle espérait.
J'ai un souvenir (maintenant affectueux) d'enfance de ressentir une immense honte quand j'ai appris que pour les victoriens, les oranges étaient une délicatesse rare et précieuse. J'étais là, un enfant qui tenait ces beaux petits soleils pour acquis juste parce qu'ils étaient faciles à trouver. Cette scène me rappelle ce souvenir, non pas à cause de la connexion des fruits, mais parce que les petits moments d'enfance comme celui-ci se répercutent en avant et changent qui nous sommes. Un ananas non mûr est l'accomplissement décevant d'un rêve, mais c'est aussi un mauvais sentiment passager que nous considérerons un jour avec tendresse. Taeko adulte se demande si elle est restée fidèle à ses rêves d'enfance, mais la vérité est que les rêves sont comme des ananas; parfois, ils ne sont pas mûrs. —Jenna Stoeber
15. Chihiro revient à ses parents, Spirited Away
Image: Studio Ghibli
La fin de Spirited Away ressemble à un coup de poing à chaque fois. C'est tellement discret: la protagoniste, Chihiro, vient de traverser un champ d'herbe pour retourner à son ancienne vie. Mais le message de son amie Haku lui demandant de ne pas regarder en arrière, et la reprise silencieuse du thème depuis le début du film évoquent un puits d'émotion qui englobe tout ce que Chihiro a traversé pour sauver ses parents. Travailler dans les bains publics, nettoyer l'Esprit de la rivière, traiter avec No-Face, voyager à Zeniba, se souvenir qu'Haku lui a une fois sauvé la vie – tout revient précipitamment alors que Chihiro s'éloigne, grâce à la musique, l'animation subtile de l'expression de Chihiro et la cravate violette qui reste dans ses cheveux. —KH
14. Le défilé yōkai, Pom Poko
Image: Studio Ghibli
Le film Pom Poko de 1994, imaginatif mais déchirant, d'Isao Takahata a toujours été l'une des ventes les plus difficiles de Studio Ghibli aux États-Unis, car il s'appuie sur tant de pièces du folklore japonais que d'autres cultures ne partagent pas. Pour commencer, les personnages principaux sont les tanuki – des animaux japonais ressemblant à des ratons laveurs légendairement célèbres pour leur métamorphose, leurs méfaits et leur hédonisme joyeux, tous résumés avec leurs géants testicules transformateurs. À Pom Poko, un groupe de tanuki menacés d'extinction à cause de l'industrialisme humain tentent une dernière fois de persuader les citadins locaux de craindre et de respecter leur pouvoir: les créatures organisent une parade spirituelle ludique, prenant la forme d'une variété de dieux et de monstres du mythe japonais. La séquence est effrayante et colorée, mais elle trouve sa meilleure expression dans un moment où deux salariés ivres se remémorent et rejettent leur croyance d'enfance dans les monstres, tout en manquant le rumpus sauvage qui se passe tout autour d'eux. —TR
13. Takashi contre les motards, mes voisins les Yamadas
Image: Studio Ghibli
Les téléspectateurs pourraient être pardonnés de ne pas réaliser que Mes voisins les Yamadas est un film du Studio Ghibli. Son style s'écarte nettement de celui de la plupart des films du studio, le réalisateur Isao Takahata optant pour une esthétique rappelant les bandes dessinées de yonkoma manga, donnant au film le sentiment d'être esquissé dans des pastels délavés plutôt qu'encrés. Les personnages sont joués principalement pour l'humour tout au long du film, et sont présentés comme squat et compact. Mais cela change en une séquence à couper le souffle dans laquelle le père, Takashi, enfile un casque et confronte un gang de motards infestant le quartier calme de la famille avec leurs bouffonneries d'intimidation.
Une fois que Takashi quitte la porte devant sa maison, tout le style du film change. Les arrière-plans, qui dans la majeure partie du film restent la couleur beige vide d'une page imprimée, sont soudainement entièrement dessinés et encrés de nuit. Takashi est rendu d'une manière moins cartoony, plus grand et plus précisément dessiné. Il marche lentement, avec hésitation, et un film typiquement rempli de comédie légère prend soudain une aura d'effroi. C'est un homme d'âge moyen qui pourrait être gravement blessé si la rencontre tournait mal. Les motards sont sinistres et imposants dans ce style, et une image de Takashi prise dans les phares d'un motard est à la fois inquiétante et époustouflante. Le sort est rompu une fois que la femme de Takashi, Matsuko, et sa mère, Shige, le rejoignent dans la rue. Le style revient au mode précédent de bande dessinée alors que le Shige normalement percutant tente de faire appel aux egos des motards avec une douce réprimande déguisée en éloge, leur demandant d'être des héros plutôt que des méchants. Les motards, marre de la situation, s'en vont dans la nuit, laissant la famille indemne et prête à reprendre sa vie de cartoony. —John Maher
12. Percée à Laputa, château dans le ciel
Image: Studio Ghibli
Le premier film de Hayao Miyazaki sous la bannière du Studio Ghibli présente de nombreux éléments visuels qui sont devenus plus tard des signatures de studio – des paysages verts luxuriants, des personnages enfants énergiquement sincères, des corps frénétiques empilés les uns sur les autres dans une bataille rangée, etc. Mais Castle in the Sky est une narration animée largement conventionnelle, avec des personnages de dessins animés contrastés avec des décors naturalistes élaborés et peints. Au moins jusqu'à ce que les protagonistes Pazu et Sheeta doivent voler à travers un ouragan pour atteindre la ville volante de Laputa. Soudain, l'action devient étrange et stylisée, avec des éclairs de type dragon se tordant autour du dirigeable des enfants et des lignes de mouvement déformant l'action. La couleur disparaît largement et Pazu repère le fantôme de son père devant lui, le poussant à continuer. C'est une belle séquence rêveuse qui se sent complètement séparée du reste du film, visuellement et conceptuellement – appropriée pour une séquence où tout change pour les personnages. —TR
11. Un enlèvement céleste, le conte de la princesse Kaguya
Image: Studio Ghibli
L'histoire de la princesse Kaguya se termine par une rencontre à couper le souffle avec la divinité, quelque chose comme Wings of Desire joué à l'envers et tacheté d'aquarelles. Alors qu'un nuage de divinités arrive pour ramener la princesse Kaguya au ciel, elle proteste. Ils sentent qu'elle a assez d'expérience de la vie mortelle, mais elle n'est pas d'accord et espère un dernier moment avec ses parents. Ils pleurent tous ensemble, jusqu'à ce qu'une robe magique fasse oublier à Kaguya sa vie mortelle. La lumière humaine dans ses yeux clignote alors que ses parents tombent doucement au sol, sanglotant et se tenant. La plupart des rencontres avec le sublime mettent l'accent sur la joie ravie ou la terreur énorme, la construction extraterrestre de choses au-delà de notre compréhension. Kaguya montre la fine ligne entre le mélange chaotique et paradoxal d'émotions qui nous rendent humains et la puissance indicible et humiliante de la création elle-même. —Max Genecov
10. Calcifer prépare le petit-déjeuner, Howl’s Moving Castle
Image: Studio Ghibli
L'une des rares scènes de Howl’s Moving Castle qui est presque une transcription exacte du roman sur lequel elle est basée, la scène du petit-déjeuner capture également un moment de ce à quoi ressemble la normale dans le monde fantastique du film. Ce n'est pas le sorcier Howl et l'adolescente timide Sophie marchant dans les airs dans la première partie du film, ni Howl se transformant en une créature monstrueuse plus tard. Ce ne sont pas les cheveux de Sophie qui se tournent vers la lumière des étoiles, ni la sorcière qui l'a maudite succombant à une malédiction elle-même. C'est une scène matinale confortable, sauf qu'un démon de feu magique fabrique des œufs. Au fur et à mesure que le film progresse, ces scènes de la vie domestique normale – le nettoyage, les marchés, la lessive – deviennent d'autant plus importantes que Howl commence à perdre son emprise sur l'humanité. Sophie, Calcifer, Markl et cette vie qu'ils ont créée inspirent Howl à rester et à la défendre. Sur une note moins thématique, cette scène contient de la nourriture Ghibli signature: les tranches de bacon les plus délicieuses et les œufs les plus beaux de tous les temps pour orner un écran. —Petrana Radulovic
9. Le mariage impromptu, The Wind Rises
Image: Studio Ghibli
Dans les années qui ont précédé la seconde guerre mondiale, Jiro Horikoshi, un talentueux concepteur d'avion japonais, a été troublamment associé à un expatrié allemand qui critique le parti nazi. Chassé par la police secrète japonaise, Jiro se cache dans la maison de son supérieur chez Mitsubishi. Sa fiancée, Naoko, se remet de la tuberculose dans un sanatorium, mais l'affliction la tuera, tout comme elle a tué sa mère. Contre toute indication, Naoko prend un train pour Jiro. Pour que le couple puisse vivre ensemble dans la maison de l'ingénieur, ils acceptent de se marier immédiatement, cette nuit-là dans cette maison, avec le superviseur et sa femme comme seuls témoins. Jiro attend avec son patron dans une chambre froide. Dehors, ils voient la lueur chaude d'une lanterne en papier escortant la future femme de Jiro. Elle est fragile, à peine capable de se débrouiller seule. Chutes de neige. Ils se marrient. L'horloge tourne vers la tragédie. —Christopher Plante
8. Une nuit de minuit, mon voisin Totoro
Image: Studio Ghibli
Une grande partie du travail du Studio Ghibli porte sur les interactions entre l'humanité et la nature, qu'elles soient violentes et compétitives, ou marquées par la curiosité et l'émerveillement. Mon voisin Totoro tombe à la fin idyllique, alors que les jeunes sœurs Satsuki et Mei se rencontrent et se lient d'amitié avec les esprits forestiers locaux. Après que Satsuki ait prêté le plus gros parapluie de son père pendant un orage, il offre poliment un cadeau en retour: un paquet de graines que les filles plantent dans le jardin à la maison. Puis lui et ses petits compatriotes se présentent au milieu de la nuit pour faire pousser les graines à une hauteur naine, et il emmène les filles en vol pour célébrer. Les films de Hayao Miyazaki sont souvent sombres et sérieux, plongeant dans la nature transactionnelle et le coût de la magie. Mais ici, il y a juste une pure merveille d'enfance, et un fantasme de vol se réalise. Tout se résume au moment où les petits totoros et Mei s'accrochent à la plus grosse fourrure de Totoro pour leur vol, mais Satsuki, la sœur aînée et plus responsable, fait une pause. Est-elle vraiment invitée à profiter du tum duveteux et volant de cet ours en peluche géant? Quand elle accepte qu'elle est et saute à bord, sa joie la fait paraître beaucoup plus jeune, et c'est un rappel à chaque instant de notre vie qui nous fait nous sentir à nouveau comme des enfants. —TR
7. Kiki réapprend à voler, le service de livraison de Kiki
Image: Studio Ghibli
Vers la fin du service de livraison de Kiki, la Kiki se retrouve aux prises avec ses pouvoirs. Mais lorsque son amie Tombo est en danger – suspendue à la ligne d'amarrage d'un zeppelin, au-dessus de leur ville – elle sait qu'elle doit faire tout ce qu'elle peut pour le sauver. Cette scène bourrée d'action est la chose la plus proche d'un point culminant du service de livraison de Kiki, et elle est d'autant plus triomphante que le segment précédent du film s'est concentré sur les luttes de Kiki avec ses pouvoirs et sa solitude. La fin du film la voit trouver un nouveau sens de l’objectif et se rendre compte qu’elle a établi un nouvel ensemble de relations. Elle est capable de voler à nouveau. Au début du film, elle s'est envolée seule et a atterri dans une ville pleine d'étrangers, mais à la fin, elle vole tous les yeux sur elle et atterrit sous les acclamations victorieuses. —PR
6. L'océan éclate, Ponyo
Image: Studio Ghibli
Dans Ponyo de Miyazaki, la petite poisson-fille titulaire se fraye un chemin sans son père sorcier et se précipite pour trouver son ami humain Sōsuke, âgé de 5 ans. Mais quand elle libère par inadvertance le magasin de magie de son père, la mer gronde et monte, ses sœurs de poissons se transforment en vastes bêtes, et une énorme tempête envahit la terre. Rien de tout cela ne déroute Ponyo, qui passe rapidement d'une forme à l'autre alors qu'elle court le long des vagues, pourchassant Sōsuke et sa mère le long d'une route inondée au bord de l'océan, inconscient du danger qu'elle leur met. C'est une scène de chasse sauvage et expressive, avec l'excitation de Ponyo et la joie se mêlant à la préoccupation des humains pour la survie. Et l'océan déferlant et incontrôlable est un morceau particulièrement étonnant de magie Ghibli, d'autant plus qu'il oscille entre les vagues et les poissons géants, tout comme tant d'autres choses dans le film glissent de manière transparente d'une forme à l'autre. —TR
5. «Country Roads» en une seule fois, Murmure du cœur
Comparé à d'autres films du Studio Ghibli, il y a peu de fantaisie dans Whisper of the Heart, une histoire de passage à l'âge adulte qui suit quelques mois dans la vie de Shizuku, 14 ans, alors qu'elle passe les examens finaux et comprend ce qu'elle veut d'elle. avenir. Navigant dans les affres profondes de la solitude des adolescents, Shizuku est attirée par un petit magasin d'antiquités et un mystérieux garçon nommé Seiji, qui continue de consulter les mêmes livres de la bibliothèque qu'elle. Au fur et à mesure que les deux se connaissent, Seiji révèle sa passion pour les violons et Shizuku, un écrivain en herbe, lui dit qu'elle traduit le classique country de John Denver "Take Me Home, Country Roads" pour leur prochain diplôme. Bien que nerveuse, elle partage sa traduction avec Shizuku, qui joue avec elle, et les deux sont rejoints par certains des amis de son grand-père. C'est un moment joyeux, les deux adolescents maladroits se sont rapprochés et ont été mis à l'aise par la musique. Chacun d'eux offre à l'autre un aperçu de leur moi intérieur – et tout est fait avec un banger certifié. —PR
4. Le montage Setsuko, la tombe des lucioles
Image: Studio Ghibli
Grave of the Fireflies s'ouvre avec un adolescent mourant de faim, enchaîne dans les bombes incendiaires de Kobe, au Japon, et se termine en quelque sorte avec la scène la plus déchirante du film (et peut-être toute l'histoire du Studio Ghibli): la célébration d'une jeune vie perdu. Setsuko, quatre ans, est un paquet de joie, même après la mort de sa mère. Elle trouve de la beauté dans une cachette anti-bombes et savoure de maigres repas aux côtés de son grand frère Seita. Le public peut espérer que tout ira bien – mais il sait par la scène d'ouverture du film que ce ne sera pas le cas. Setsuko finit par mourir de malnutrition, et alors que son esprit s'évanouit, le réalisateur Isao Takahata lance une douce élégie soprano en son nom. La musique joue sur des scènes de Setsuko chez elle la plus innocente, fabriquant, faisant semblant et se déchaînant dans l'herbe. Le coût de la guerre n'est pas seulement la vie, nous dit Takahata avec une grâce élégiaque, mais la vie qui aurait pu l'être. —Match Patches
3. San contre les colons, la princesse Mononoke
Le thème de l'humanité contre la nature de Ghibli revient à nouveau dans la princesse Mononoke, mais cette fois, c'est beaucoup plus littéral, alors qu'un groupe d'humains exilés et exclus construisent un avant-poste dans la forêt et tentent de l'apprivoiser, et les esprits de la forêt ripostent . Le plus important d'entre eux: San, une jeune fille humaine élevée par des loups, qui, lors d'un raid audacieux au milieu du film, fonce au milieu de l'établissement humain et tente de tuer leur chef, Lady Eboshi. C'est une séquence d'action passionnante, mais elle est compliquée par le fait qu'Eboshi attend San et n'est pas intimidée à distance par elle. Et c'est encore plus compliqué par le guerrier maudit et mourant Ashitaka, qui interfère d'une manière à laquelle personne ne s'attendait. C'est une situation de push-and-pull à trois voies, avec beaucoup de puissance explosive littérale, beaucoup de surprises et plein de beaux moments comme celui où San fait une pause pendant un long moment entre des attaques rapides et se tient de profil au sommet d'un bâtiment, masqué et confiant seul. —TR
2. Voyage en train, loin
Image: Studio Ghibli
Il y a un voyage extrêmement poignant vers la fin de Spirited Away, et l'écrivain-réalisateur Hayao Miyazaki le rend encore plus puissant en le plaçant juste après une énorme quantité de brouhaha et de désordre. Lorsque le protagoniste humain Chihiro invite un esprit appelé No Face dans les bains de yokai où elle travaille, il se déchaîne, dévorant tout ce qui est en vue (y compris ses collègues) jusqu'à ce qu'elle lui donne une boulette de guérison magique qui le fait vomir. encore. Cue plusieurs minutes de poursuite effrénée, alors qu'il se dissout simultanément dans de la boue et vomit de volumineuses vagues de crasse. Elle prend tout cela dans la foulée parce qu'elle est entièrement concentrée sur autre chose – un voyage pour rencontrer une sorcière et sauver un ami.
Ainsi, l'agitation rococo bondée de l'intérieur des bains publics, et tous les miasmes sombres et grotesques de la maladie de No Face cèdent brutalement la place au bleu pur et serein, alors que Chihiro s'échappe des bains publics, marche le long des voies ferrées inondées jusqu'à une gare qui n'est rien de plus qu'un dalle de béton au milieu d'un océan incessant et monte à bord d'un train plein de fantômes informe et ténébreux. La douce partition de piano de Joe Hisaishi ici fait un travail puissant pour donner un ton de paix contemplative après beaucoup de hullabaloo. Tout ce film est un voyage pour Chihiro, mais cette séquence rend cela littéral, capturant à la fois l'excitation de se diriger vers un nouvel endroit et la mélancolie de quitter un ancien, sans parler de l'état paisible d'être entre les espaces, sans rien à faire mais attendez et admirez le paysage changeant. —TR
1. En attendant le bus sous la pluie, mon voisin Totoro
Image: Studio Ghibli
La séquence historique qui a donné à Ghibli une grande partie de son iconographie la plus mémorable n'a rien perdu de son pouvoir. Mon voisin Totoro est une fantaisie pour enfants charmante qui se glisse confortablement entre le monde mondain et le monde des esprits, alors que les jeunes sœurs Satsuki et Mei rencontrent des esprits forestiers blobards et poilus qui semblent souvent étrangers, mais sont entièrement bénins. Dans la séquence la plus lyrique de Totoro – qui dit vraiment quelque chose, dans un film plein de moments mémorables – les sœurs essaient de rencontrer le bus de leur père pendant une tempête de pluie, afin qu'elles puissent lui donner un parapluie à son retour à la maison. Mais il est en retard, et l'attente se prolonge après une joyeuse fin d'après-midi et une nuit ténébreuse.
Puis une créature géante familière apparaît, attendant son propre bus. Tout dans cette séquence est délicieux: la façon familière dont Mei transforme une boule d'énergie agitée en un poids mort grincheux et endormi. Le regard somnolent sur le visage de Totoro alors qu'il attend le bus. Sa curiosité baissière sur le parapluie de Satsuki. Le pur plaisir qu'il ressent dans le bruit de la pluie qui la frappe et sa réponse démesurée. Le score doucement pesant, qui évoque le sentiment de cette grande bête endormie opérant à un rythme différent des humains qu'il rencontre. Une grande partie du travail de Ghibli concerne les rencontres avec la magie, qu'il s'agisse de véritables créatures légendaires de puissance, ou de la simple magie d'un vol propulsé par un moteur ou de la lumière du soleil dans un champ. Mon voisin Totoro mélange de manière fiable l'émerveillement fantastique avec l'émerveillement enfantin ordinaire, et les trouve tous les deux tout aussi merveilleux, mais jamais plus que dans la séquence de pluie. —TR
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